Модерн

Одной из основных идей стиля модерн было разрушение традиционного различия между изобразительным искусством, особенно живописью и скульптурой, и прикладным искусством. Это было наиболее широко использовано в дизайне интерьера, графике, мебели, стекле, текстиле, керамике, ювелирных изделиях и металле. Стиль отвечал идеям ведущих теоретиков XIX века, таких как французский архитектор Эжен-Эммануэль Виолье-ле-Дюк и британский искусствовед Джон Рёскин. В Британии на Рёскина оказали влияние идеи Уильяма Морриса и движения «Искусств и ремесел». В свою очередь немецкие архитекторы и дизайнеры искали духовно возвышающего «Единства искусств» (нем. Gesamtkunstwerk), которое объединило бы архитектуру, обстановку и искусство в интерьере в едином стиле.[3]

Основные принципы нового стиля первым сформулировал активнейший идеолог и практик модерна Анри Ван де Вельде. По его мнению утилитарная конструкция, может быть красивой и без орнамента; орнаментальное, эстетическое начало заложено в самой форме предмета. Ван де Вельде представлял «абстрактное» направление модерна; стилизованному растительному орнаменту т. н. «флореального» направления он противопоставлял динамический линейный орнамент, как более соответствующий новой технике в архитектуре и художественной промышленности.[4]

Основной признак стиля — декоративность; основной мотив — вьющееся растение; основной принцип — уподобление рукотворной формы природной и наоборот.

Наиболее заметной особенностью модерна являлось — отказ от прямых углов и линий в пользу более плавных, изогнутых линий, как подражание природным формам растений. Часто художники модерна брали за основу своих рисунков орнаменты из растительного мира. В формах модерна преобладал — отказ от симметрии, вертикальные, стремящиеся ввысь доминанты, перетекание одной формы в другую. Преобладающими цветами являлись приглушенные оттенки — цвет увядшей розы, табачные цвета, жемчужно-серые, серо-голубые, пыльно-сиреневые тона. Для интерьера характерны сочетание плоскостей, изогнутая мебель; в отделке — наличие мозаики, эмали, золотых фонов, чеканка по меди и латуни. Конструкции стиля — часто были каркасными (несущим элементом являлся стальной каркас). Окна — прямоугольные, вытянутые кверху, часто с богатым растительным декором, иногда арочные, «магазинные окна» — широкие, наподобие витрин. Двери стиля модерн — прямоугольные, часто арочные плоской формы, с мозаичным орнаментом, декорированные[5].

Модерн стремился стать единым синтетическим стилем, в котором все элементы из окружения человека были выполнены в едином ключе. Вследствие этого возрос интерес к прикладным искусствам: дизайну интерьеров, керамике, книжной графике.

Заметное влияние на модерн оказало искусство Японии, ставшее более доступным на Западе с началом эпохи Мэйдзи. Художники модерна также черпали вдохновение из искусства Древнего Египта и других древних цивилизаций.

Модерн прибегал к эклектике, включал в себя множество течений и стилевых направлений: неоромантизм — использовались элементы романского стиля, готики, ренессанса и других стилей; неоклассицизм; рационализм, направление с преобладанием более простых форм; иррационализм; кирпичный стиль, когда архитекторы отказывались от штукатурки, и все декоративные детали здания выполнялись из кирпича. В зависимости от территориальной принадлежности он носил различные названия: венский, берлинский и парижский модерн — в Западной Европе, московский, петербургский, рижский и провинциальный модерн — в России и других странах Восточной Европы[5].

• 
  Сграффито, «Дом Куши», Поль Коши, Брюссель, Бельгия, 1882 год
• 
  Парадная лестница, «Особняк Рябушинского», Федор Шехтель, Москва, Россия, 1902 год
• 
  Большой витраж, «Отель Сьюдад», Жак Грюбер, Мехико, Мексика, 1899 год
• 
  Окна, «Дом с каллами», Октав Ракин, Париж, Франция, 1902 год
• 
  Парадный вход, «Дом Лавиротти», Жюль Лавиротт, Париж, Франция, 1901 год

Вышивка «Альпийские фиалки», прозванная «Ударом бича»

Характерными особенностями стиля являлись: декоративность, мифологизация, театрализация, идея синестезии, плоскостность, ориентация на органическое начало, «витализм», саморазвитие форм, ритмичность, линеарность, принцип динамического равновесия, равноценность изображения и фона, акцентировка пятна и силуэта, смешение традиций Востока и Запада[6]

Фирменным знаком линии модерна стала вышивка «Удар бича». Этот термин появился в результате узора на вышивке портьеры 1895 года «Альпийские фиалки», созданного по рисунку швейцарского художника Германа Обриста. В узоре активно выделялись вычурные росчерки стеблей, которые кто-то из критиков сравнил с «яростными изгибами обрушивающегося бича».[7]

Разделение модерна на отдельные периоды и стили условно. Модерн, как ни один из других стилей, впитал в себя различные направления и подвергся влиянию многих национальных культур и традиций, что даже специалистам сложно определить, где заканчивается историзм и начинается модерн, и где заканчивается модерн и начинается ар-деко.

Традиционно в модерне выделяются два основных направления: конструктивное (Австрия, Шотландия) и декоративное (Бельгия, Франция, Германия). Кроме того, в Италии и России сильное влияние на него оказали национальные традиции: в этих странах образцы модерна носили отпечаток традиционных форм: неорусский стиль в архитектуре России (не путать с русским стилем, который относился к периоду историзма). В северных странах (Скандинавия, Финляндия, Прибалтика) также выделяется так называемый национальный романтизм, черпающий вдохновение из народной культуры этих стран, в случае, например, Прибалтики прежде практически не проявлявшейся в каменной архитектуре.

Развитию модерна в искусстве предшествовал период становления. Период раннего развития модерна принято называть модернизмом. Это течение формировалось в разные годы, в разных странах и различными художниками, как правило, не знавшими друг друга, но связанными общими идеалами и идеями. Направления модернизма не были связаны с национальными традициями стран, в которых они развивались. Кубизм во Франции не имел ничего общего с культурой Франции. Ярким примером такого несоответствия может служить Эйфелева башня, которая, по мнению интеллигенции того времени, совершенно не вписывалась в архитектуру Парижа и вызывала бурю негодований. Отрыв модернизма от национальных традиций заложил основу для «интернационального стиля», не имеющего границ, который воспринимался как стремление к космополитизму.

Первыми модернистами были художники, творившие на рубеже конца XIX века, которые считали, что духовная революция, которая, по их мнению, неизбежно рождалась из кризиса старого мира, требовала отказа от социально-политического радикализма. Новой идейной платформой стала духовная революция как качественно новое сознание, новое жизнепонимание. В её основе лежали интуитивизм А. Бергсона и Н. Лосского, феноменология Э. Гуссерля, психоанализ Зигмунда Фрейда и Карла Юнга, экзистенциализм Сёрена Кьеркегора, Мартина Хайдеггера, Карла Ясперса, Николая Александровича Бердяева и др. Теоретическую основу будущего стиля сформулировал Уильям Моррис, однако развитием идей раннего модерна занимались многие художники эпохи предмодерна[5].

Большое влияние на формирование стиля оказало искусство Востока, в частности Японии. В 1860-х годах в Европе начало проявляться дальневосточное влияние. Начиная с 1862 года у любителей искусства из Лондона или Парижа появилась возможность приобретать японские произведения искусства, так как в этом году Япония была впервые представлена на Международной выставке в Лондоне. Также в 1862 году в Париже был открыт магазин «Китайские ворота» (фр. La Porte Chinoise), где продавались японские укиё-э и другие объекты с Дальнего Востока. В 1867 году появились примеры китайских орнаментов Оуэна Джонса, а в 1870 году О. Х. Мозер и Т. У. Катлер опубликовали книги о японском искусстве. Некоторые художники, такие как Виктор Орта, собрали коллекцию экспонатов дальневосточного искусства, в том числе японского.[8]

В 1870-х годах в Европу были привезены работы японских мастеров по ксилографии Кацусика Хокусая и Утагавы Кунисады. Предприниматель Зигфрид Бинг основал ежемесячный журнал «Le Japon artistique» («Художественная Япония») и в период с 1888 года по 1891 году опубликовал тридцать шесть выпусков журнала, содержащих японские гравюры. Это событие оказало влияние, как на коллекционеров, так и на художников. Стилизованные черты японских гравюр стали появляться в графике, фарфоре, ювелирных изделиях и мебели модерна.

Родоначальником модерна считается Англия — старейшая страна капитализма. Первые признаки зарождения нового стиля становятся заметны здесь ещё в работах художников до романтической эпохи. Пьюджин Огастес — один из представителей неоготического стиля, проживавший в Англии в период с 1830-х по 1850-е годы, в своих работах предвещает необычайную декоративную насыщенность стиля присущую модерну, а также свободу форм, силу цвета, борьбу между архитектурой и декором, которая является одним из главных «художественных сражений» второй половины XIX века. Кроме того, кривые и цвета используемые в работах движения прерафаэлитов в 1850-х годах, черпают свое вдохновение в работах итальянских мастеров XV века, а также во флорентийском ренессансе, как одну из реакций на промышленную революцию происходившую в Англии.

Новый стиль начинает развиваться там под лозунгом возврата к органичности, простоте и функциональности изделий средневековых художественных ремёсел, а также искусства раннего Возрождения. Художественное движение, связанное с деятельностью «прерафаэлитов», философией и эстетикой теоретиков искусства Джона Рёскина и практикой мастерских «Искусства и ремёсла» Уильяма Морриса, получает распространение в прикладном искусстве и архитектуре[9]. Теоретические основы движения «Искусства и ремесел» в виде тезисов заложили Уильям Моррис и Джон Рёскин, которые в дальнейшем оказали влияние на работы Артура Макмердо и Чарльза Ренни Макинтоша, которые определили развитие одного из направлений нового декоративного искусства. В своих идеях они выступали против индустриализации и призывали за возвращение к средневековой гильдии, к изучению естественного мотива с использованием «очищенных» форм. В процессе формирования идей родилось течение, названное эстетизмом, в рамках, которого работали такие художники, как Оскар Уальд, Эдвард Берн-Джонс и Обри Бердсли. Новое движение развивалось под сильным влиянием художников-прерафаэлитов, таких как Данте Габриэль Россетти и Эдвард Берн-Джонс, особенно это сказалось на творчестве британских художников-графиков 1880-х годов Селвина Имиджа, Хейвуда Самнера, Уолтера Крейна, Альфреда Гилберта и Обри Бердсли.[10]

Одним из важных событий для зарождения идей, которые в последствии сформировали стиль явилось проведение всемирной выставки в Лондоне в 1851 году, на которой впервые было выставлено большое количество экспонатов декоративно-прикладного искусства, для создания интереса к обыденным предметам, но оно было подвергнуто критики со стороны Джона Рескина, который не признавал продукцию массового производства, а призывал вернуться к ремесленному производству предметов.[11]

Одними из ранних прототипов нового стиля являлись Красный дом с интерьерами Морриса и архитектурой Филиппа Уэбба и Павлинья комната Джеймса Уистлера. Оформление Павлиньей комнаты включало в себя многие при­зна­ки будущего сти­ля – пло­скост­ные жи­во­пис­ные пан­но на сте­нах, пре­рван­ные рез­ны­ми де­ревянными па­не­ля­ми при­хот­ли­во­го ри­сун­ка, гну­тые ли­ний кон­ту­ров, соче­та­ние гра­фического на­ча­ла с де­ко­ра­тив­но­стью.

Предшественником дизайна в стиле модерн считается выполненный Артуром Макмердо стул из красного дерева[12], а оформленная им обложка книги «Городские церкви Ренна» считается первым графическим произведением в стиле модерн.

Во Франции на развитие модерна сильное влияние оказал теоретик архитектуры и историк Эжен Виолле-ле-Дюк, который являлся противником историзма. В своих теоретических трудах по рационализму в книге «Интервью по архитектуре» (фр. Entretiens sur l'architecture) он не отвергал современный материал (в частности, железо), но вместо этого хотел, придать ему декоративную и эстетическую функцию.

«Используйте средства и знания, данные нам нашим временем, без вмешательства традиций, которые уже не являются жизнеспособными сегодня, таким образом мы можем открыть новую архитектуру. Для каждой функции свой материал; для каждого материала своя форма и орнамент»

[13]

Как представитель неоготического стиля, он вдохновил своими работами многих архитекторов модерна, таких как Луи Салливан, Виктор Орта, Гектор Гимар, и Антонио Гауди, в частности, его фрески, написанные в соборе Шато-де-Роккилладе являются прекрасными примерами связи между неоготическим стилем и модерном.

Предмодерн во Франции, как субъект искусства, стремился быть более рациональным и менее обращенным к прошлому. Важную роль в интеграции изобразительного искусства и декора сыграли французские художники Морис Дени, Пьер Боннар и Эдуард Вуйяр.[14] [15]

В Брюсселе с 1884 года существовала авангардная среда — группа двадцати, (сообщество меценатов и художников), которая занималась поисками новизны для освобождения от историзма. Выставки с участием группы проводились без использования официальных салонов. Большинство участников группы являлись поклонниками инновационных стилей Макмердо, и они приглашали многих прогрессивных художников. Эта группа, пожалуй, первая, кто интегрирует предметы декоративного искусства в выставки живописи и скульптуры. На это движение повлияли английские мыслители и художники, такие как Уильям Моррис , Джеймс Эбботт, Макнил Уистлер или Обри Бердсли.

Но именно в 1892 году в Брюсселе Виктором Орта, Анри Ван де Вельде и Полом Ханкаром, а затем во Франции были определены формальные принципы архитектуры, конкретно называемыми «модерном».

Каталонский модернизм формировался в 1870-х годах под влиянием нескольких факторов: художественное обновление, и параллельное развитие с другими современными видами искусства, поиском новых формальных выражений и желанием оказаться в современном европейском масштабе. По словам писателя Джоан Фустера, эти поиски были направлены ​​на превращение «традиционной региональной культуры в современную национальную культуру» .

Примеры начала каталонского модернизма можно найти в 1871 году во дворах новой провинциальной архитектурной школы в Барселоне, которой руководили Элис Рогент, а также в работах Жозепа Доменека. Однако считается, что в Каталонии модернизм начинается в 1888 году, со времени проведения первой универсальной выставки в Барселоне, для которой было построено большое количество модернистских зданий, таких как Триумфальная арка в Барселоне и Замок Трех Драконов.

Это движение представляло собой концептуальное и стилистическое сходство с различными вариантами стиля модерн, которые развивались в Европе в то же время. С другой стороны, оно выделялось в соответствии с тремя аспектами: развивалось в продолжение каталонского возрождения (1833—1880); развивалось в то время, когда возникла насущная потребность в политическом и социальном развитии и обновлении в Испании; кроме того, в отличие от других европейских стран, оно стремилось создать национальное искусство, где другие страны стремились пересечь свои границы. Архитектор Антонио Гауди являлся главным представителем новых тенденций этого движения, начиная с 1886 года.

• 
  «Красный дом», Филипп Уэбб, Большой Лондон, Великобритания, 1859 год
• 
  «Красная Фудзи», Кацусика Хокусай, 1823—1831 годы
• 
  Обои с лиственным орнаментом, Уильям Моррис, 1875 год
• 
  Обои «Лебедь и ирис», Уолтер Крейн, 1883 год
• 
  Обложка книги «Городские церкви Рена», Артур Макмердо, 1883 год

Период развития модерна: конец 1880-х — 1914 год — начало первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы[16].

Условно выделяют 3 этапа развития стиля:

1. 1890—1900 годы: выдвижение задачи и решительное обновление художественно-образного языка архитектуры, разработка новых приёмов пространственных композиций сооружения, усиление тенденций использования новых материалов (сталь, бетон и т. п.), ориентация на орнаментальность, поиск новых декоративных мотивов и т. п.
2. приблизительно 1900—1905 годы: характеризуется постепенным отходом от декоративности, более последовательным освоением строительных материалов нового образца.
3. примерно до 1910-х годов: отмечен стремлением к простоте, строгости, последовательному изучению строительной техники[17] .

В период с 1890 по 1895 годы движение модерна развивалось по всей Европе с большой скоростью, поэтому очень трудно определить его точных инициаторов. Тот факт, что многие дисциплины очень быстро овладевали представленными новыми формами, создавали у современников впечатление, что они присутствуют при возникновение нового художественного движения, охватывающего все аспекты жизни человека.

Французский исследователь Пол Гринхалх определяет начальную фазу движения стиля между 1893 и 1895 годами, вокруг четырёх событий, происходивших в основном в крупных столицах Европейских государств: Лондоне, Брюсселе и Париже.

• Первое событие — публикация в первом номере британского журнала «Студия» (англ. The Studio) рисунков Обри Бердсли в 1893 году. Этот молодой иллюстратор впервые представил стиль рисунка, который в дальнейшем стал характерен для модерна.

• В том же году появились первые дома и внутренняя отделка в стиле модерн в Брюсселе, спроектированные Полом Анкаром и Виктором Орта — особняк Тасселя, которого был завершен в 1893 году. Орта был первым, кто использовал кривую линию, как символ всего движения стиля. Изменчивость пространств повторяло изгибы растений, которые окружали изделия из железа, мозаики, фрески и витражи, элементы как структур, так и орнаментов. Орта проектирует уникальное здание с мебелью, которая соответствует ритму стен и архитектуры; он разрабатывает узоры ковров, конструирует мебель: это явление получает название «Тотал Арт». После этого Орта переехал в Париж, где его работы адаптировал к своим проектам Гектор Гимар, который видел его работу в Брюсселе и применил его стиль для оформления входов в новое Парижское метро .

• В 1894 году, находясь в бельгийской столице, Генри Ван де Вельде опубликовал брошюру «Расчистка искусства» (фр. Le Déblaiement d’Art), которая сделала шаг назад к современным художественным разработкам и осудила мир институционализированного искусства. Это отражение — первая интеллектуализация двух сильных идей стиля модерн: ценность декоративного искусства наряду с так называемым благородным искусством и важность общей гармонии в любой декоративной работе.[18]

• Последнее событие, которое завершило начальную фазу движения, стало открытие в Париже в 1895 году в «Доме нового искусства» (фр. Maison De L’Art Nouveau) магазина и выставочного центра Зигфрида Бинга, который популяризовал стиль в столице и сделал его известным широкой публике.

Быстрому распространению стиля способствовали обильно иллюстрированные журналы по искусству и архитектуре, «Оригинальный отпечаток» (фр. L'Estampe originale), «Студия», «Югенд» (нем. Jugend) и другие, которые распространили новые идеи.

Развитие коммуникации позволяло архитекторам путешествовать между городами Европы, в частности, между Брюсселем и Парижем для установления связей. Например на проекты Гектора Гимара сильное влияние оказала архитектура Виктора Орта, которую он увидел во время поездки в 1895 году в Брюссель. Аналогичным образом произошло установление связей между Веной и Глазго благодаря архитекторам Отто Вагнером и Чарльзом Ренни Макинтошем.

Дальнейшему распространению модерна способствовало проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства. Наивысшей точкой развития модерна явилось его представление на Всемирной выставке 1900 года в Париже. В период с апреля по ноябрь, выставку посетили почти пятьдесят миллионов человек со всего мира, которым были продемонстрированы архитектура, дизайн, стеклянная посуда, мебель и декоративные предметы стиля. На выставке были представлены работы таких художников, как Луис Тиффани, Альфонс Муха, Рене Лалик, а также Эмиль Галле.

Из Бельгии и Франции модерн распространился на остальную часть Европы, приобретая разные названия и характеристики в каждой стране. Он часто появлялся не только в столицах, но и в быстро растущих городах, которые хотели создать свою художественную самобытность (Турин и Палермо в Италии; Глазго в Шотландии; Мюнхен и Дармштадт в Германии), а также в центрах движений за независимость (Хельсинки в Финляндии, как части Российской империи); (Барселона в Каталонии, Испания).

В период с 1900 по 1914 год, модерн стал центром исследовании, дискуссии и объектом критики. Еще в 1900 году многие искусствоведы боролись с этим движением. В частности, они утверждали, что в модерне не соблюдается один из принципов декоративно-прикладного искусства, — а именно то, что орнамент объекта должен подчиняться его функции. На Всемирной выставке 1900 года один из критиков — Чарльз Генуйс, поднял этот вопрос, среди прочих.

В 1904—1905 годах, французские ультраправые ассоциации осудили Гектора Гимара. Эти движения, использовали ту же риторику, что и в отношении евреев, обвиняя художника в том, что он противопоставляет себя нации.

Кроме того, многие мастера модерна «увязли» в успехе стиля после Всемирной выставки 1900 года.

Упадок модерна можно проследить, в частности, по удалённости некоторых его создателей по отношению к представителям других стилевых направлений.

С 1910 года выставки декоративно-прикладного искусства были наполнены предметами старых стилевых направлений, не оставляя при этом места для предметов модерна. В 1910-х годах значение модерна начало угасать, а к 1914 году, с началом Первой мировой войны, он был в значительной степени исчерпан. Однако производство объектов модерна продолжалось и после Первой мировой войны с некоторым успехом в течение многих лет, но в основном, это были простые копии.

В 1920-х годах модерн, в качестве доминирующего архитектурно-декоративного стиля, сменил арт-деко, а затем модернизм.

Только в конце 1960-х годов, начиная с большой выставки работ Гектора Гимара в Музее современного искусства в 1970 году, модерн стал получать положительные отзывы со стороны критиков.

Модерн берёт своё начало в Великобритании, в идеях движения «Искусств и ремесел», созданного в 1860-х годах и достигшего международного признания в 1880-х. Движение призывало к возрождению декоративно-прикладного искусства, черпало вдохновение в средневековом ремесле и дизайне, а также в природе.[20]

Работы Макмердо — знаменитый стул из красного дерева, и обложка книги «Городские церкви Ренна», созданные в 1881 и 1883 годах, — являются одними из первых работ в стиле модерн.[21]

Другим важным новатором в Великобритании являлся Обри Бердсли, чьи рисунки и графические работы содержали в себе изогнутые линии, которые стали наиболее узнаваемой особенностью стиля.

Работы британских художников-графиков Уолтера Крейна и Чарльза Эшби также имели важное значение для развития стиля.[22]

Универмаг Либерти в Лондоне сыграл важную роль в развитии декоративно-прикладного искусства, благодаря созданным специально для реализации в магазине, художником Арчибальдом Ноксом предметов различного назначения: текстиль с красочными стилизованными цветочными узорами, серебряные, оловянные и ювелирные изделия, в которых используемые формы и материалы полностью «отрывались» от исторических традиций ювелирного дизайна.

Для архитектуры модерна и дизайна мебели наиболее важным центром развития в Великобритании был Глазго, во главе с Чарльзом Ренни Макинтошем и созданной им Школой Глазго, чьи работы были созданы под влиянием стиля Шотландских баронов, японского искусства и Венского сецессиона.[23] Макинтош выставлял свои проекты на международных выставках в Лондоне, Вене и Турине. Его архитектурные творения включали здание «Глазго Геральд» (англ. Glasgow Herald) (1894) и библиотеку Школы искусств в Глазго (1897). Он также зарекомендовал себя как дизайнер мебели и декоратор, работая в тесном контакте со своей женой, Маргарет Макдональд Макинтош. Вместе они создавали яркие проекты, в которых сочетались геометрические прямые линии с мягко изогнутыми цветочными украшениями.

Леон-Виктор Солон внёс важный вклад в развитие керамики в модерне. Он специализировался на бляшках и трубчатых вазах, а также занимался разработкой дизайна тканей.[24]

• 
  Стул, Артур Макмердо, 1881 год
• 
  Иллюстрация к сказке «Король-лягушонок», Уолтер Крейн, 1874 год
• 
  «Роза белая и роза алая», Маргарет Макдональд Макинтош, 1902 год
• 
  «Школа искусств Глазго», Чарльз Ренни Макинтош, Глазго, Шотландия, 1909 год

Бельгия была ранним центром развития модерна, во многом благодаря архитектору Виктору Орта, который разработал проект одного из первых домов в стиле модерн — особняк Тасселя, который является одним из самых известных достопримечательностей стиля[25][26], а также еще трех других особняков в новом стиле. В настоящее время все они являются объектами всемирного наследия ООН. Орта оказал сильное влияние на работу молодого Гектора Гимара, который приехал посмотреть на особняк в стадии строительства, а затем заявил, что Орта был «изобретателем» модерна. В оформлении фасадов и интерьеров Орта использовал обилие стекла, чтобы расширить открытое пространство и осветить комнаты светом, и железа для украшения колонн и перил с изогнутыми вегетативными формами. Также Орта разработал проекты мебели и ковров.

Поль Анкар был еще одним пионером брюссельского модерна. Его собственный дом построенный в 1903 году, в том же году, что и особняк Тасселя, на фасаде имел изображение фрески в виде сграффито. На творчество Анкара сильное влияние оказали идеи Виолле-ле-Дюка и английского движения «искусства и ремесел». Его концепция заключалась в том, чтобы объединить декоративно-прикладное и изобразительное искусство в целое. Он поручил скульптору Альфреду Крику и художнику Адольфу Креспину украсить фасады домов своими работами. Наиболее ярким примером был дом и студия, построенная для художника Альберта Чиамберлани в Брюсселе, для которого он создал красочный фасад, покрытый сграффито с окрашенными фигурами и орнаментом, воссоздав декоративную архитектуру Италии XV-го века. Работы Анкара получили признание после его смерти в 1901 году.[27]

Еще одним видным брюссельским архитектором был Гюстав Страувен, прежде чем начать свою собственную практику в возрасте 21 года он был помощником Орты, Его самая известная работа — Дом Сен-Сир в Брюсселе. Имея ширину всего четыре метра, он сверху до низу полностью украшен изогнутым орнаментом, в стиле модерн-барокко.

Другими заметными бельгийскими мастерами модерна являлись архитекторы Генри ван де Вельде, декоратор Гюстав Серрузье-Бови и художник-график Фернан Кнопф.[28][29]

• 
  «Особняк Тасселя», Виктор Орта, Брюссель, Бельгия, 1893 год
• 
  «Дом Анкара», Поль Анкар, Брюссель, Бельгия, 1903 год
• 
  «Дом Сен-Сир», Гюстав Страувен, Брюссель, Бельгия, 1901—1903 годы
• 
  Мебель с виллы Блуменверф, Анри Ван де Вельде, 1895 год

После всемирной выставки в 1900 году «столицей» модерна стал Париж. Самые экстравагантные здания были спроектированы архитектором Жюлем Лавиротом, фасады которых были полностью покрыты керамическим скульптурным оформлением. Наиболее ярким примером его работ является «Дом Лавиротти». Офисные здания и универмаги отличались высокими дверями, покрытыми витражами и керамической отделкой. Стиль был особенно популярен при оформлении интерьеров ресторанов и кафе.

Статус Парижа привлекал в город иностранных художников. Художник швейцарского происхождения Эжен Грассе был одним из первых создателей французских плакатов в стиле модерн. Он участвовал в оформлении интерьеров кабаре «Чёрный кот» (фр. Le Chat Noir) в 1885 году, так же он выполнил плакаты для Парижской выставки и плакат для Сары Бернар. В 1896 году Теофил-Александр Стейнлен создал знаменитый плакат для кабаре «Чёрный кот». Чешский художник Альфонс Муха прибыл в Париж в 1888 году, а в 1895 году нарисовал плакат для пьесы «Жисмонда» (фр. Gismonda) Виктора Сарду в Театре эпохи Возрождения. Успех этого плаката привел к контракту на производство плакатов еще для шести пьес Сары Бернар.

Город Нанси в Лотарингии стал второй столицей модерна во Франции. В 1901 году был основан провинциальный альянс индустрии искусства, также известный как «Школа Нанси», которая была посвящена нарушению иерархии — живопись и скульптура должны располагаться выше, чем декоративно-прикладное искусство. Основными представителями школы являлись: Эмиль Галле, Луи Мажорель, Анри Соваж и др.

Французский стиль широко распространялся благодаря журналам, в том числе, «Студия», «Искусство и идеи» (фр. Arts et Id'es) и «Искусство и украшение» (фр. Art et D'coration), чьи фотографии и цветные литографии сделали стиль известным по всему миру.

Во Франции, стиль достиг своего расцвета в 1900 году, а затем быстро вышел из моды, практически исчезнув из Франции в 1905 году. Модерн был роскошным стилем, который требовал для изготовления высокооплачиваемых мастеров, и изделия выполненные в этом стиле не могли быть легкими и дешевыми в изготовлении, как предметы массового производства. Одними из немногих предметов в стиле модерн, которые являлись продуктом массового производства в то время были флаконы духов Рене Лалик, производимые массово до настоящего времени с сохранением стиля.

• 
  Плакат «Жисмонда», Альфонс Муха, 1894—1895 годы
• 
  Ваза с лилиями, Эмиль Галле
• 
  Кресло, Луи Мажорель, 1900 год
• 
  Вилла Мажореля, Анри Соваж, Нанси, Франция 1901—1902 годы

Модерн в Германии зародился в среде различных объединений художников-авангардистов, архитекторов и мастеров декоративно-прикладного искусства, таких как Дармштадская колония художников, Мюнхенский сецессион, Берлинский сецессион, Веркбунд и др. Центрами развития стиля в Германии были города: Мюнхен, Дармштадт, Карлсруэ, Нюрнберг, Лейпциг, Берлин, Хаген и др.

Немецкий модерн известен под названием «Югендштиль» (нем. Jugendstil — «Молодой стиль»). Наименование происходит от названия художественного журнала «Югенд», который публиковался в Мюнхене. Издание было основано в 1896 году Георгом Хиртом, который оставался редактором журнала до своей смерти в 1916 году. Издание выходило до 1940 года. В начале XX века журнал был полностью посвящен искусству.[30] Позже термин «Югендштиль» был заимствован другими странами Балтии и Северной Европы для наименования стиля в этих станах.[31]

В 1892 году Георг Хирт выбрал название Мюнхенский сецессион для ассоциации художников Мюнхена. Венский сецессион и Берлинский сецессион заимствовали свое название от названия мюнхенской группы. Важными участниками развития модерна в Германии являлись: журналы «Югенд» и «Симплициссимус» (нем. Simplicissimus), публикуемые в Мюнхене, а также журнал «Пан» (нем. Pan), публикуемый в Берлине.

Отто Экманн был одним из самых известных немецких художников, связанный с журналами «Югенд» и «Пан». Как и его предшественников в Великобритании, его интересовало японское искусство, но особенно его интересовало плоское представление природных мотивов. Его любимое животное, лебедь, стало одним из лейтмотивов модерна.

В «Югендштиле» сочетались извилистые кривые с геометрическими линиями, которые использовались для оформления обложек книг, рекламы и выставочных плакатов. Дизайнеры часто создавали оригинальные стили шрифтов, которые гармонично сочетались с изображениями, например, шрифт Арнольда Бёклина, созданный в 1904 году.

В 1899 году была основана Дармштадтская колония художников Эрнестом Людвигом, который построил дом великого князя, а также крупнейшее сооружение колонии — Свадебную башню. Известными участниками колонии являлись Йозеф Мария Ольбрих — один из основателей Венского Сецессиона, Питер Беренс и Ганс Кристиансен.

Другим заметным союзом в Германии был «Немецкий Веркбунд» (нем. Deutscher Werkbund), основанный в 1907 году в Мюнхене по инициативе Германа Мутезиуса. 1896—1903 годах Мутезиус работал в Англии, где изучал архитектуру традиционного английского дома, был близок идеям движения «Искусства и ремёсла». Под влиянием достижений нового английского искусства, рационалистической архитектуры, работ участников «Школы Глазго» Чарльза Макинтоша у Мутезиуса и возникли идеи нового союза. Учредителями Веркбунда стали: Петер Беренс — один из основоположников промышленного дизайна, Теодор Фишер, Йозеф Хоффман, Вильгельм Крайс, Макс Лаугер, Адельберт Нимейер, Йозеф Мария Ольбрих, Бруно Пауль, Рихард Римершмид, Якоб Юлиус Шарфогель, Пауль Шульце-Наумбург, Фриц Шумахер.

• 
  Обложка журнала «Югенд» от 30 мая 1896 года, 1896 год
• 
  Свадебная башня, Йозеф Ольбрих, 1908 год
• 
  Здание Турбинной фабрики AEG, Питер Беренс, 1908 год—1909 год
• 
  Вилла Линденхоф в Геррлингене, Рихард Римершмидт, 1904—1906 годы

См.также Венский сецессион

Вена стала центром отдельного варианта модерна, который известен как «Венский сецессион». Движение заимствовало свое название от названия Мюнхенского Сецессиона, созданного в 1892 году. Венский Сецессион был основан в апреле 1897 года группой художников, в которую входили Густав Климт, Коломан Мозер, Йозеф Хоффман, Джозеф Мария Ольбрих, Макс Курцвейл, Эрнст Штёри др.[32] Лидером движения стал Густав Климт. Новое движение возражало против консервативной ориентации на историзм, которой придерживался Венский Кюнстлерхаус — официальный союз художников. Сецессион основал журнал, «Весна священная» (лат. Ver Sacrum), для продвижения своих работ.[33] Йозеф Мария Ольбрих спроектировал купольное здание «Сецессиона» в новом стиле, которое стало витриной для работ Густава Климта и других художников движения.

Климт был самым известным из художников — участников движения. В его работах стиралась граница между изобразительной и декоративной живописью. Другим важным членом движения был Коломан Мозер. Он был чрезвычайно разносторонним мастером модерна — его работы, включали: иллюстрации в журналах, проекты архитектурных зданий, изделия из серебра, керамические изделия, фарфор, текстиль, витражи и мебель.

Самым известным архитектором Венского Сецессиона был Отто Вагнер[34] он присоединился к движению вскоре после его создания, чтобы следовать за своими учениками Гофманом и Ольбрихом. Его основные проекты включали несколько станций городской железнодорожной сети, станцию Карлсплац — в настоящее время является выставочным залом Венского музея и др.

В 1899 году Джозеф Мария Ольбрих переехал в Дармштадтскую колонию художников, а в 1903 году Коломан Мозер и Джозеф Хоффман основали Венские мастерские — учебную школу и мастерскую для дизайнеров и ремесленников мебели, ковров, текстиля и декоративных предметов.[35] В 1905 году Коломан Мозер и Густав Климт отделились от Венского сецессиона, позже в 1907 году Коломан Мозер также покинул Винер Веркстютте, а его другой основатель Джозеф Хоффманн присоединился к Немецкому Веркбунду. Густав Климт и Джозеф Хоффманн продолжали сотрудничать, В 1908 году они организовали выставку в Вене и построили дворец Стоклет в Брюсселе (1905—1911), который предвосхитил начало модернистской архитектуры.[36][37] В 2009 году он был внесен в список Всемирного наследия ООН.

• 
  «Юдифь и Олоферн», Густав Климт, 1901 год
• 
  «Венера в гроте», Коломан Мозер, 1915 год
• 
  «Церковь Св. Леопольда при госпитале Отто Вагнера», Отто Вагнер, Вена, Австрия 1904—1907 годы
• 
  «Выставочный зал Венского сецессиона», Йозеф Ольбрих, Вена, Австрия 1897—1898 годы

Пионером венгерского сецессиона был архитектор Эдён Лехнер, его проекты ознаменовали собой переход от историзма к венгерскому варианту модерна.[38] Особенности его архитектуры заключались в использовании керамики и мадьярских мотивов. В своих работах он использовал пигоргранит, который выпускали на фарфоровой мануфактуре Жолнаи и использовали при строительстве здания венгерского парламента и перестройке церкви Матяша. Также к работам Лехнера относятся музей прикладного искусства, институт и музей геологии и здание почтово-сберегательной кассы.[39] Однако из-за противостояния с венгерским архитектурным истеблишментом, после первоначальных успехов, Лехнер в дальнейшем не мог получать заказы на строительство, сопоставимые с начальными постройками. Однако, работы Лехнера в дальнейшем вдохновляли следующие поколения архитекторов и сыграли главную роль в популяризации нового стиля.

Другим важным архитектором был Карой Кош, который был последователем Джона Рескина и Уильяма Морриса. Кош использовал финское национальное движение романтизма в качестве образца для своих проектов.[40] Некоторые его постройки: церковь в Зебегени, павильоны Будапештского зоопарка и Национальный музей секеев в Шепшисентдёрде.

Движение, которое занималось продвижением венгерского сецессиона в искусстве была художественная колония Гёдёллё, основанная профессором школы прикладных искусств Аладаром Кёрёшфёи-Кришем в 1901 году, также последователем Рескина и Морриса.[40]

Участник художественной колонии Гёдёлле,[41] Микга Рот участвовал в нескольких проектах движения, в их числе Дворец Грешэм (витражи, 1906) и Банк Тёрёк (мозаика, 1906), а также создал мозаику и витражи для Дворца культуры (1911—1913) в Марошвашархее.

Известный дизайнер мебели Эдён Фараго, в своих работа объединил традиционную и восточную архитектуру, а также живописное направление модерна. Пал Хорти, другой венгерский дизайнер мебели, представлял в своих работах гораздо более сдержанный и функциональный стиль. Его работы были выполнены из дуба с тонкими узорами из черного дерева и латуни.

• 
  «Музей прикладного искусства», Эден Лехнер, Будапешт, Венгрия, 1893—1896 годы
• 
  «Геологический музей», Эден Лехнер, Будапешт, Венгрия, 1896 год—1899 годы
• 
  «Центральная сберегательная касса», Эден Лехнер, Будапешт, Венгрия 1899—1902 годы
• 
  «Церковь святого Ласло», Эден Лехнер, Будапешт, Венгрия 1894—1896 годы

Самым плодовитым словенским архитектором был Цирил Метод Кох.[42] Он учился у Отто Вагнера в Вене и работал в городском совете Лайбаха (ныне Любляна, Словения ) с 1894 по 1923 год. После землетрясения в Лайбахе в 1895 году в период с 1900 по 1910 годы[42] он спроектировал многие светские здания в стиле сецессион: Дом Погачника (1901), Здание Чудена (1901), здание фермерского ссудного банка (1906–07), отреставрированное здание Гауптмана (1904 году). Кульминацией его карьеры стал проект здания ссудного банка в Радманнсдорфе (ныне Радовлица) в 1906 г.[42]

Самые известные здания модерна в Праге - это образцы "тотального искусства" с самобытной архитектурой, скульптурой и картинами.[43] Главный железнодорожный вокзал (1901–1909) был спроектирован Йозефом Фантой, украшен картинами Вацлава Янсы, скульптурами Ладислава Шалоуна и Станислава Сухарды. Общественный дом (1905–1912), со скульптурами Йозеф Маратка и Ладислава Шалоуна, был разработан Освальдом Поливкой и Антонином Бальшанеком, оформление было выполнено известным чешским художником Альфонсом Мухой, а также позже Муха расписал витражи в соборе Святого Вита в своем самобытном стиле. Поливка, Маратка и Шалоун одновременно участвовали в строительстве Новой ратуши (1908–1911) вместе со Станиславом Сухардой,

Стиль в котором сочетались венгерский Сецессион и национальные архитектурные элементы был характерен для словацкого архитектора Душана Юрковича. Его самые оригинальные работы - Дом культуры в Шакольце (ныне Скалица в Словакии, 1905 г.), здания курорта в Лугачовицах (ныне Чехия, 1901–1903 гг). А также 35 военных кладбищ возле Нового Жмигруда в Галиции (ныне Польша), большая часть из которых выполнена с сильным влиянием местного лемковского (русинского) народного искусства (1915–1917).

• 
  Общественный дом, Альфонс Муха, Прага, Чехия, 1912 год
• 
  Витраж, Собор Святого Вита, Альфонс Муха, Прага, Чехия
• 
  Керамический рельеф, Театр Виола, Ладислав Шалоун, Прага, Чехия
• 
  Новая ратуша, Освальд Поливка, Прага, Чехия, 1908—1912 годы

Польский вариант "сецессиона" был одним из международных направлений модерна. Наибольшей развитие в Польше стиль получил в 1890–1910 годах.

Основными центрами Польского модерна являлись города: Краков, Лодзь, Вроцлав, Познань и Быдгощ. Варшава до начала Второй мировой войны так же была городом с большим количеством архитектурных построек в стиле модерн, но до наших дней сохранено лишь незначительное их количество, так как во время войны город был практически полностью разрушен и большая часть зданий была утрачена.

Известными польскими архитекторами являлись: Францишек Мончиньски, Тадеуш Стрыенский, Людвик Войтычко, Славомир Одживольский, Бенджамин Торбе, Ромуальд Миллер, Виктор Мярчинский и др.

Так же польское направление модерна в архитектуре, дополнял архитектурный стиль Закопане, являвшийся частью Польского модерна. Кроме этого, так же в различных городах Польши можно встретить здания, выполненные в стиле "Венского сецессиона".

Польские художники переняли многие цветочные и органические мотивы модерна. Живопись польского модерна в основном была сосредоточена в городе Краков. Станислав Выспянский был "главным" художником модерна в Польше. Его картины, театральные проекты, витражи и интерьеры зданий в настоящее время широко представлены в Национальном музее в Кракове.

• 
  «Материнство», Станислав Выспянский, Польша, 1905 год
• 
  «Старый театр в Кракове», Францишек Мончиньски, Краков, Польша
• 
  «Технико-промышленный музей», Тадеуш Стрыенский, Францишек Мончиньски, Польша,
• 
  «Здание Эдуарда Шульца», Рудольф Керн, Быдгощ, Польша, 1905 год

В Нидерландах, в отличие от Бельгийского изогнутого и цветочного направления модерна, развивалось другое направление — более конструктивное и функциональное. На него оказали влияние геометрические и стилизованные формы немецкого «югентштиля» и «венского сецессиона».

Наиболее важным нидерландским архитектором и дизайнером мебели был Хендрик Петрюс Берлаге, который осуждал исторические стили и выступал за функциональную архитектуру. Он писал:

«Нужно бороться с искусством иллюзии, признавать ложь, чтобы найти суть, а не иллюзию».

[44]

Он также был поклонником архитектурных теорий Виоллет-ле-Дюка,[44] который стремился к строгой функциональности и уважению естественных форм дерева, без изгибов и скручивания, как металл. При изготовлении мебели в качестве примера он использовал египетскую мебель с прямыми углами. Его первой и самой известной архитектурной работой было здание товарной биржи Берс ван Берлэйдж в центре Амстердама (1896—1903), которую он построил в соответствии с принципами конструктивизма. Все было функциональным, включая линии заклепок, которые украшали стены. В проекты своих зданий он часто включал высокие башни, чтобы сделать их более заметными. Такая практика, использовалась, так же другими архитекторами модерна того времени, включая Джозефа Марию Ольбриха в Вене и Элиэля Сааринена в Финляндии.[45] Другой его известной работой был американский отель (1898—1900).

Другими заметными Нидерландскими архитекторами были Герман Хендрик Баандерс и Геррит ван Аркель. Они выполнили проекты зданий Астория (1904—1905) в Амстердаме; железнодорожный вокзал в Харлеме (1906-1908), и бывшее офисное здание компании «Holland America Lines» (1917) в Роттердаме.

Известным художником-графиком и иллюстратором в стиле модерн был Ян Toроп, чьи работы имели склонность к мистике и символизму. В его работах в дизайне и цвете, прослеживалось влияние искусства острова Ява.[45]

Важными мастерами в изготовлении керамики и фарфора являлись Юрриан Кок и Тео Коленбрандер. В своих работах они использовали красочный цветочный узор. Наравне с традиционными мотивами модерна, они использовали необычные формы керамики, контрастные темные и светлые цвета, заимствованные из батикского украшения Ява.[46]

• 
  «Астория», Герман Баандерс, Геррит Ван Аркель, Амстердам, Нидерланды, 1905 год
• 
  «Амстердамская фондовая биржа», Хендрик Петрюс Берлаге, Амстердам, Нидерланды, 1896—1903 годы
• 
  «Железнодорождный вокзал в Харлеме», Герман Баандерс, Геррит Ван Аркель, Харлем, Нидерланды, 1906—1908 годы
• 
  «Здание Holland America Line», Герман Баандерс, Геррит Ван Аркель, Роттердам, Нидерланды, 1917 год

См. также Каталонский модерн

Весьма оригинальный вариант модерна появился в Испании в Барселоне, примерно в то же время, что и в Бельгии и во Франции. Он получил название — Каталонский модернизм. Более 100 архитекторов, проектировали здания в новом стиле, но основные из них это три архитектора: Антонио Гауди, Льюис Доменек-и-Монтанер и Жосеп Пуч-и Кадафалк.

Самым известным представителем каталонского модерна был Антони Гауди. Гауди в своих работах широко использовал цветочные и органические формы, особенно это заметно в оформлении Парка Гуэль. Архитектура парка объединила в себе элементы движения искусств и ремесел, символизма, экспрессионизма и рационализма, а также повлияла на многие формы и техники архитектуры XX-го века.[47][48][49]

В своих работах: павильон Гуэль (1884—1887), а также Парк Гуэль (1900—1914) он применил новую технику под названием Тренкадис. Его проекты, Каса Батло (1904—1906) и Каса-Мила (1906—1912), имели тесную стилистическую связь с модерном, но в основной работе архитектора Собор Саграда де Фамилия, объединились элементы модерна с неоготикой.

Помимо доминирующего положения Гауди в Каталонии, также заметным архитектором был Льюис Доменек-и-Монтанер. Он также строил свои здания в Барселоне: Замок трёх драконов (1888), Дом Льео-и-Мореры (1902—1906), Дворец каталонской музыки (1905) и больница Сан-Пау (1901—1930). Все здания внесены в список Всемирного культурного наследия ООН.

Другой крупной фигурой каталонского модерна был Жосеп Пуч-и Кадафалк, который спроектировал Дом Марти, Дом Макайя, Дом Аматлера, Палау-дель-Баре-де-Квадрас и др.

Помимо Каталонии в Испании модерн развивался в Валенсии. Некоторые из известных архитекторов: Деметрио Рибес Марко, Висенте Паскуаль Пастор, Тимотео Бриет Монто, и Хосе Мария Мануэль Кортина Перес. Валенсийский модерн отличало использование керамики при оформлении, как в фасадов так и орнаментов, а также использование региональных мотивов.

Другим вариантом модерна в Испании являлся Мадридский вариант модерн (исп. Modernismo madrileño), с такими заметными архитектурными постройками, как Дворец Лонгория, Казино Мадрида или Цементерио де ла Альмудена. Наиболее известными Мадридскими архитекторами были: Хосе Лопес Саллаберри, Фернандо Арбос-и-Треманти и Франсиско Андрес Октавио.

• 
  Здание администрации парка Гуэль, Антонио Гауди, Барселона, Испания, 1900—1914 годы
• 
  Драконьи ворота в павильонах Гюэль, Антонио Гауди, Барселона, Испания, 1884—1887 годы
• 
  Замок трёх драконов, Льюис Доменек-и-Монтанер, Барселона, Испания, 1887—1888 годы
• 
  Дом Льео-и-Мореры, Льюис Доменек-и-Монтанер, Барселона, Испания, 1902—1906 годы

Модерн в Италии был известен под именем «стиль Либерти». Свое название стиль получил от имени магазина — Liberty & Co, основанного в 1874 году в Лондоне британским предпринимателем и популяризатором модерна Артуром Ласенби Либерти, который специализировался на импорте текстиля и предметов искусства из Японии и Дальнего Востока, которые были особенно популярны в Италии.

Стиль Либерти сильно отличался от основных направлений модерна и часто следовал историческим стилям, особенно барокко. Фасады домов часто были усеяны декором и скульптурой. Красочные фрески, написанные или керамические, и скульптура, как в интерьере, так и в экстерьере, были популярной особенностью Итальянского модерна. Они опирались как на классическую, так и на цветочную тематику.

Самым важным дизайнером итальянского модерна был Карло Бугатти. Его работы отличались экзотикой, включали серебро, текстиль и керамику, но прежде всего он запомнился своим инновационным дизайном мебели, впервые показанным на Миланской ярмарке изобразительных искусств в 1888 году. Его мебель часто отличалась конструкцией, и имела необычные покрытия, включая пергамент и шелк, и вставки из слоновой кости.

Так же известным итальянским дизайнером модерна был Галилео Чини, который был известен как художник и театральный дизайнер декораций; он разработал декорации для двух знаменитых опер Пуччини «Джанни Сикки» и «Турандот». [50][51]

• 
  Табурет, Карло Бугатти, ок. 1895
• 
  Ла Примавера, Галилео Чини, 1914 год
• 
  Плакат для Туринской выставки 1902 года, Леонардо Бистольфи, 1902 год
• 
  Виллино Флорио, Эрнесто Базиле, Палермо, Италия, 1899—1902 годы

Русская разновидность модерна — это очень красочный вариант модерна, который появился в Москве и Санкт-Петербурге в 1898 году начиная с публикации русских художников Александра Бенуа и Леона Бакста в художественном журнале «Мир Искусства». В дальнейшем издание организовывало выставки ведущих российских художников, таких как Михаила Врубель, Константин Сомов, Исаак Левитан, книжного иллюстратора Ивана Билибина и др. Русский вариант модерна в меньшей степени использовал вегетативные и цветочные формы французского модерна и в значительной степени опирался на яркие цвета и экзотические замыслы русского фольклора и сказок. Самым большим вкладом «Мира искусства» в развитие модерна стало создание новой балетной труппы «Русский балет» во главе с Сергеем Дягилевым с костюмами и декорациями, разработанными Бакстом и Бенуа. Премьера новой балетной труппы состоялась в Париже в 1909 году. В дальнейшем ее выступления проводились каждый год до 1913 года. Экзотические и красочные декорации, разработанные Бенуа и Бакстом, имели большое влияние на французское искусство и дизайн. Костюмы и набор декорации были воспроизведены в ведущих парижских журналах: «Иллюстрация» (фр. L’Illustration), «Парижская жизнь» (фр. La Vie parisienne), благодаря этому русский стиль стал известен в Париже как стиль а-ля Бакст. Балетная труппа осталась в Париже сначала в результате начала Первой мировой войны, а затем и русской революции в 1917 году, и по иронии судьбы никогда не выступала в России[52].

Из русских архитекторов самым выдающимся архитектором был Федор Шехтель. Самый известный пример его работы — это особняк Рябушинского в Москве. Он был построен на деньги российского бизнесмена и владельца газеты, а затем, после Русской революции, стал резиденцией писателя Максима Горького, где в данный момент располагается его музей.

Другие русские архитекторы того времени создавали проекты, которые опирались на историческую русскую архитектуру. Эти здания создавались в основном из дерева и являлись отсылкой к архитектуре Киевской Руси. Одними из примеров являются Дом Теремок в Талашкино (1901—1902) Сергея Малютина и Дом Перцова в Москве (1905—1907).

Петербургский архитектор Николай Васильев до эмиграции в 1923 году построил несколько зданий в разных стилях. Эти здания наиболее примечательны резьбой по камню, сделанной Сергеем Вашковым, который вдохновился резьбой в соборе Святого Димитрия во Владимире и Георгиевском соборе в Урьево-Польском XII — XIII веков.

Несколько художественных колоний в России в этот период были построены в стиле русского Возрождения. Две самые известные из них располагались в Абрамцево, (финансировалась Саввой Мамонтовым), и Талашкино, (финансировалась княгиней Марией Тенишевой). Одним из примеров архитектуры русского Возрождения является Марфо-Мариинский монастырь (1908—1912), Алексея Щусева который явился обновленной версией классической Русской Православной Церкви. Позже, по иронии судьбы, этот архитектор спроектировал Мавзолей Ленина в Москве.

Ярко модерн проявился в Петербурге, где на Невском проспекте были построены дом Зингера и Елисеевский магазин. Архитектуру модерна в России характеризовало наличие огромных панорамных окон и прихотливых металлических украшений функциональных деталей (светильников и перил).

• 
  Изба Теремок, Сергей Малютин, Талашкино, Россия
• 
  Церковь Спаса Нерукотворного Образа, Павел Самарин, Абрамцево, Россия, 1881—1883 годы
• 
  Дом компании «Зингер», Павел Сюзор, 1902—1904 годы
• 
  Дом торгового товарищества «Братья Елисеевы», Гавриил Барановский, 1902—1903 годы

Рига, нынешняя столица Латвии, в период развития модерна была одним из крупнейших городов Российской империи, где архитектура модерна, развивалась в соответствии со своей собственной динамикой. Стиль стал чрезвычайно популярным и занял доминирующее положение в городе после Латвийской этнографической выставки в 1896 году и выставки промышленности и ремесел в 1901 году. Здания, выполненные в стиле модерн составляют треть всех зданий в центре Риги, что сделало его городом с самой высокой концентрацией архитектуры модерна в мире.[53]. Количество и качество архитектуры модерна было одним из критериев для включения исторического центра Риги в список Всемирного культурного наследия ЮНЕСКО[54].

В Риге существовали различные вариации архитектуры модерна:

• в эклектичном (декоративном) модерне наиболее популярными были цветочный декор и элементы декора, навеянные природой. Примерами этой вариации являются работы Михаила Эйзенштейна.
• в перпендикулярном варианте модерн геометрические орнаменты были интегрированы в вертикальные композиции фасадов. Несколько универмагов в Риге были построены в этом стиле.
• Национальный романтический модерн был вдохновлен местным народным искусством в котором использовались природные строительные материалы.

Некоторые более поздние здания, построенные в стиле неоклассицизма также содержали детали модерна.

• 
  Эклектичный модерн: здание на улице Альберта, Михаил Эйзенштейн, Рига, Латвия
• 
  «Вертикальный» модерн: министерство образования, Август Фольц, Рига, Латвия
• 
  «Национальный романтический» модерн: украшение дверного проёма в здании, Константин Пекшенс, Рига, Латвия, 1908 год
• 
  Неоклассический стиль с элементами модерна, Пауль Мандельштам,Рига, Латвия, 1913 год

Модерн был популярен в скандинавских странах, где он получил название «Северный модерн», и включал в себя в каждой отдельно взятой стране характерный для нее романтический национализм.

Финляндия являлась страной с большим количеством архитектурных зданий, выполненных в модерне, период развития которого совпал с золотым веком финского искусства и национальным пробуждением страны. После Парижской выставки 1900 года ведущим финским художником стал Аксели Галлен-Каллела[55]

На Парижской выставке авторами финского павильона выступили Герман Гезеллиус, Армас Линдгрен и Элиэль Сааринен. Они работали вместе с 1896 по 1905 год и создали много известных зданий в Хельсинки, включая страховое здание «Похьола» (фин. Pohjola) (1899—1901), Национальный музей Финляндии (1905—1910)[56], а также их совместную резиденцию Виттреск в Киркконумми (1902). Архитекторы вдохновлялись скандинавскими легендами и природой. Грубый гранитный фасад стал символом принадлежности стиля к финской нации[57].

Другим заметным финским архитектором, который создал несколько заметных работ в Финляндии был Ларс Сонк. Его основные работы включали в себя собор в Тампере (1902—1907), дом Яна Сибелиуса (1903), штаб-квартиру Хельсинкской телефонной ассоциации (1903—1907) и др.

Норвегия, также как и Финляндия от Российской империи, стремилась к независимости от Швеции, а местный вариант модерна был связан с возрождением, вдохновленным народным искусством и ремеслами викингов.

Известный норвежский художник Ларс Кинсарвик, разработал проект стульев в традиционных кельтских мотивах и мотивах искусства викингов.

Другой норвежских художник Герхард Мюнте, разработал проект стула со стилизованной драконьей головой — эмблемой древних кораблей викингов, а также выполнил широкий спектр плакатов, картин и графических работ.[58]

Норвежский город Олесунн считается главным центром модерна в Скандинавии, поскольку он был полностью реконструирован после пожара 23 января 1904 года[59]. Здания были отстроены заново между 1904 и 1907 годами по градостроительному проекту инженера Фредерика Нессера. Слияние единства и разнообразия породило стиль, известный как «Ол Стил». Здания имеют линейный декор в котором прослеживаются отголоски Югендстиля, и содержат в себе элементы, выполненные в народных традициях, например, башни деревянных церквей или хохлатые крыши[59].

В Швеции и Дании заметными зданиями в стиле модерн были Королевский драматический театр (1901—1908) в Стокгольме[60] и бывшая городская библиотека (ныне Датский национальный бизнес-архив) в Орхусе, Дания (1898—1901)[61]. Хак Кампманн, в то время сторонник национального романтического стиля, создал здание Орхуской таможни, Орхуский театр и виллу Кампен в Орхусе. Самым известным датским дизайнером в стиле модерн был Георг Йенсен. Балтийская выставка в Мальмё 1914 года была последним крупным проявлением Югентштиля в Швеции[62].

• 
  Здание Национального музея Финляндии, Герман, Гезеллиус, Элиэль Сааринен, Армас Линдгрен, Хельсинки, Финляндия, 1905—1910 годы
• 
  Вилла Виттреск, Герман, Гезеллиус, Элиэль Сааринен, Армас Линдгрен, Киркконумми, Финляндия, 1902—1903 годы
• 
  Кафедральный собор Тампере, Ларс Сонк, Тампере, Финляндия, 1902—1907 годы
• 
  Королевский драматический театр, Фредерик Лильеквист, Стокгольм, Швеция, 1908 год

Характерной чертой Румынского модерна являлось наличие в архитектуре рельефных орнаментов с натуралистическими цветочными мотивами, характерными для школы Нанси, а также мотивами морской фауны, такими как ракушки и дельфины, украшавших фасады зданий. Стиль румынского возрождения, присутствовавший в архитектуре, мебели и графическом дизайне, включал в себя элементы разновидности модерна - ар-нуво.

Примером может служить один из домов Бухареста - Дом Дину Липатти работы Петре Антонеску, центральным мотивом которого является входная арка, над которой расположен женский маскарон, выполненный в горельефе. Другими примерами архитектуры модерна в Бухаресте - таунхаусы, в которых присутствуют подковообразные или другой формы окна или украшения, характерные для ар-нуво, а также дом Ромула Пореску, в угловых окнах которого, располагаются витражи, выполненные в стиле египетского возрождения. Некоторые из зданий эпохи необарокко в Бухаресте выполнены с элементами ар-нуво или неороккоко, в том числе Бухарестская обсерватория, дом № 58 на улице Сфинций Войевози, дом велосипедиста Микя и Дворец Кантакузино.[63] Казино Констанцы, вероятно, является наиболее известным примером модерна в Румынии.

Одним из самых известных Румынских художников был Штефан Лукьян , который перенял новаторские и декоративные направления модерна. Этот момент совпал с основанием Общества Илеана в 1897 году, в котором он являлся одним из основателей. В 1898 году общество организовало выставку в отеле «Юнион» под названием «Выставка независимых художников» и выпустила журнал «Илеана».[64]

Также образцы архитектуры модерна и румынского возрождения можно найти в Трансильвании, первые образцы которых относятся к австро-венгерской эпохе. Большинство из них расположены в городе Орадя, прозванном «столицей Румынии в стиле модерн», а также в Тимишоаре , Тыргу-Муреше и Сибиу.[65][66][67]

• 
  Казино Констанцы, Дэниел Ренард и Петре Антонеску, Бухарест, Румыния, 1905—1910 годы
• 
  Дом велосипедиста Микя, Бухарест, Румыния, 1910 год[68]
• 
  Дом Дину Липатти, Петре Антонеску, Бухарест, Румыния, 1902 год
• 
  Дом Ромула Пореску, Думитру Маймаролу, Бухарест, Румыния, 1905 год

Вариант модерна под названием «Еловый стиль» появился в Ла-Шо-де-Фон в кантоне Невшатель в Швейцарии. Основателем стиля выступил художник Шарль Л’Эплатенье, который вдохновлялся природными мотивами, такими как сосны, другими растениями, а также дикими животными, водящимися в горах Юра. Одной из его главных работ был Крематорий, в котором использовались треугольные формы деревьев, сосновые шишки и другие природные мотивы этого региона. Стиль также сочетался с более геометрическими стилистическими элементами модерна и венского сецессиона[69]. Еще одно примечательное здание в этом стиле - вилла Фалле Ла Шо-де-Фон - шале, спроектированное и построенное в 1905 году учеником Л’Эплатенье, восемнадцатилетним Ле Корбюзье. По форме дом напоминал традиционное швейцарское шале, но в оформлении фасада использовались треугольные деревья и другие природные элементы. Ле Корбюзье построил в этом районе еще два шале, в более традиционном стиле[69][70][71].

• 
  Вилла Фалле, Ле Корбюзье, Ла-Шо-де-Фон, Швейцария, 1906 год
• 
  Интерьер, стилизованный под елку на потолке. Крематорий, Шарль Л’Эплатенье, 1908—1910 годы
• 
  Элемент здания стилизованный под стиль «сапин», Крематорий, Шарль Л’Эплатенье, 1908—1910 годы
• 
  Деталь в виде сосновой шишки, Крематорий, Шарль Л’Эплатенье, 1908—1910 годы

Вариант ар-нуво в Авейру назывался Arte Nova, и его главной отличительной чертой была показная демонстрация: этот стиль использовался буржуазией, которая хотела выразить свое богатство на фасадах, оставив при этом интерьеры консервативными.[72] Другой отличительной особенностью Arte Nova было использование плитки местного производства с мотивами ар-нуво. [72] Самым влиятельным художником Arte Nova был Франсиско Аугусто да Силва Роша[72] . Хотя он не был архитектором, он спроектировал множество зданий в Авейру и других городах Португалии[73]. Одно из них — Резиденция майора Песоа, где в настоящее время располагается Музей Арте Нова.[72] Есть и другие образцы Arte Nova в других городах Португалии[74][75]. Некоторые из них: музей-резиденция Анастасио Гонзальвес Мануэль Хоаким Норте Жуниор, дом-музей доктора Анастасио Гонсалвеса (1904-1905) в Лиссабоне, кафе Маджестик Жуан Кейруш (1921) и др.

• 
  Резиденция майора Песоа, Авейру, Португалия 1907—1909 годы
• 
  Атриум резиденции майора Песоа, Авейру, Португалия 1907—1909 годы
• 
  Книжный магазин Lello, Франсиско Ксавье Эстевес, Порту, Португалия, 1906 год

В США компания Луиса Комфорта Тиффани играла центральную роль в развитии американского направления стиля. В 1885 году Тиффани создал собственное предприятие, которое занималось производством изделий из тонкого стекла и разработкой методов его окрашивания. В 1893 году Тиффани начал производить вазы и чаши, разрабатывая новые методы, которые позволяли создавать оригинальные формы и окраску, а так же производил эксперименты с декоративным оконным стеклом. В 1895 году его новые работы были представлены в галерее Зигфрида Бинга, что позволило ему приобрести новых европейских клиентов.

После смерти отца в 1902 году он взял на себя полное управление компанией, но по-прежнему посвящал большую часть своего времени проектированию и изготовлению стеклянных арт-объектов.

По настоянию Томаса Эдисона он начал изготавливать электрические лампы с разноцветными стеклянными абажурами из бронзы и железа, украшенные мозаикой, выпускаемой многочисленными сериями. Над каждым изделием работала команда дизайнеров и мастеров. Лампа Тиффани,стала одной из "икон" модерна, но мастера компании проектировали не только лампы, а так же делали необычные окна, вазы и другие произведения искусства, выполненные из стекла.

Колумбийская выставка была важным местом для Тиффани; часовня, которую он спроектировал, была показана в Павильоне искусства и промышленности. В настоящее время часовня Тиффани вместе с одним из окон дома Тиффани в Нью-Йорке выставлены в Музее американского искусства Чарльза Хосмера Морса в Уинтер-парке, штат Флорида.

Изделия Тиффани, выполненные из стекла также имели большой успех на Всемирной выставке 1900 года в Париже. Его витраж под названием «Полет душ» завоевал золотую медаль выставки[76].

Другой важной фигурой американского модерна был архитектор Луис Салливан. Салливан был пионером американской современной архитектуры, являясь основателем Чикагской школы, архитектором первых небоскребов и учителем Фрэнка Ллойда Райта. Его самым известным высказыванием было:

«Форма следует за функцией».

В то время как форма его зданий была сформирована их функцией, украшение его зданий было примером американского направления модерна.

В 1893 году на Всемирной колумбийской выставке в Чикаго, наиболее известной неоклассической архитектурой знаменитого Белого города, он спроектировал вход в стиле модерн для одного из здании, представленных на выставке.

• 
  Часовня Тиффани, Музее американского искусства Чарльза Хосмера Морса в Уинтер-парке, Флорида, США, 1893 год
• 
  Стеклянная ваза, Луи Комфорт Тиффани, Художественный музей Цинциннати, США, 1893—1896 годы
• 
  Лампа «Глициния», Музей изящных искусств Вирджинии, США, (около 1902 года)
• 
  Окно «Полёт душ», Парижская выставка 1900 года, 1900 год

Наводнённая европейскими иммигрантами, Аргентина впитала в себя все художественные и архитектурные европейские стили, включая модерн. Городами с наиболее заметным наследием модерна в Аргентине являются Буэнос-Айрес, Росарио и Мар-дель-Плата [77] [78].

Париж явился архитектурным прототипом для Буэнос-Айреса со строительством больших бульваров и проспектов[77] . Местный стиль наряду с французским влиянием также испытал влияние итальянского направления модерна, так как многие архитекторы — Вирджинио Коломбо, Франсиско Джанотти, Марио Паланти — были итальянцами.

В работах Хулиана Гарсии Нуньеса можно отметить каталонское влияние[77].

Влияние Венского сецессиона можно найти в здании Пасо-и-Виамонте.

Развитие модерна в Росарио связано с именем Франсиско Рока Симо, который обучался в Барселоне[79]. Его здание «Испанский Клуб» (исп. Club Español) (1912 год) имеет один из крупнейших витражей в Латинской Америке. Скульптуры на здании были выполнены скульптором Диего Масана из Барселоны[80].

Бельгийское направление стиля в аргентинском модерне представлено виллой Ортиса Басуальдо, в которой в настоящее время располагается Муниципальный музей искусств Хуана Карлоса Кастаньино в Мар-дель-Плата, где мебель, интерьеры и освещение выполнены Гюставом Серрюрье-Бови.

• 
  Витражи и скульптуры, «Дом Калиса», Эрколе Пасина, Буэнос-Айрес, Аргентина, 1911 год
• 
  Интерьер, Галерея Гуэмес, Франсиско Джанотти, Буэнос-Айрес, Аргентина, 1913 год
• 
  Паласио Бароло, Марио Паланти, Буэнос-Айрес, Аргентина, 1919—1923 годы
• 
  Металлические и керамические элементы и статуи, «Испанский Клуб», Франсиско Рока Симо, Росарио, Аргентина, 1912 год

Как и в Аргентине, модерн в остальных странах мира не представленных выше, в основном, находился под влиянием иностранных художников:

• Испанцы стояли за проектами в Гаване, на Кубе.
• В Понсе и Пуэрто-Рико работы местных архитекторов, были выполнены под влиянием испанских архитекторов[81].
• Французы выполняли проекты модерна в Тунисе (в то время это был французский протекторат).
• Немцы в Людерице, Намибия[82] и в Циндао, Китай.
• Итальянцы выполняли работы в Вальпараисо, Чили[83]; Монтевидео, Уругвай; Рио-де-Жанейро, Бразилия[84].
• Русские стояли за наследием модерна в Харбине, Китай[85].
• Наследие модерна в Лиме состоит из работ итальянцев - братьев Маспери, французского архитектора Клода Сахута и британских мастеров[86].
• Дворец изящных искусств в Мехико стал результатом сотрудничества итальянцев (архитектор Адамо Боари и скульптора Леонардо Бистолфи), местного архитектора Федерико Марискаля, венгерских художников Аладара Кёрёсфёй-Криша, Гезы Мароти и Миксы Рот, каталонского скульптора Агусти Керола Субиратса и французского мастера Эдгара Брандта[87].
• Мотивы модерна также можно найти во французской колониальной архитектуре по всему Французскому Индокитаю.
• Заметное художественное движение под названием школа Бецалель появилось в палестинском регионе в конце османского и британского протекторатов. Оно явилось «слиянием восточного искусства и югендстиля»[88]. Несколько художников, связанных со школой Бецалель, были достаточно известны: Зеев Рабан, Эфраим Моше Лилиен и Абель Панн[89].

• 
  Муниципальный театр, Тунис, 1902 год
• 
  Герке-Хаус, Людериц, Намибия, 1909—1910 годы
• 
  Дворец изящных искусств, Мехико, Мексика, 1904—1934 годы
• 
  Статуя Пегаса, Мехико, Мексика

Архитектуру модерна отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий и использование новых материалов (металл, бетон, стекло).

Как и ряд других стилей, архитектуру модерна отличает также стремление к созданию одновременно эстетичных и функциональных зданий. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы — лестницы, двери, столбы, балконы — художественно обрабатывались.

Одним из первых архитекторов, работавших в стиле модерн, был бельгиец Виктор Орта. В своих проектах он активно использовал новые материалы, в первую очередь, металл и стекло. Несущим конструкциям, выполненным из железа, он придавал необычные формы, напоминающие фантастические растения. Лестничные перила, светильники, свисающие с потолка, и даже дверные ручки — всё проектировалось в едином стиле. Во Франции идеи модерна развивал Эктор Гимар, создавший, в том числе, входные павильоны парижского метро.

Ещё дальше от классических представлений об архитектуре ушёл испанский архитектор Антонио Гауди. Здания, сооружённые им, настолько органически вписываются в окружающий пейзаж, что кажутся делом рук природы, а не человека.

• 
  «Искупительный храм Святого Семейства», Антонио Гауди, Барселона, Испания, с 1882 года по наше время
• 
  «Керамический отель», Жюль Лавиротт, Париж, Франция, 1904 год
• 
  «Каса-Батльо», Антонио Гауди, Барселона, Испания, 1900 год
• 
  «Венская станция „Карлсплатц“», Отто Вагнер, Вена, Австрия, 1897 год
• 
  «Особняк Рябушинского», Федор Шехтель, Москва, Россия, 1902 год

На живопись модерна сильное влияние оказал символизм, который стремился переходить от традиционных форм XIX века к новейшим европейским течениям, носившим порою условную принадлежность к той или иной стране.

Для живописи модерна характерно стремление к созданию самостоятельной художественной системы. Одним из основоположников этих идей стала «Понт-авенская школа» с Полем Гогеном. В отличие от других стилей, картины и панно модерна рассматривались как элементы интерьера, придавая ему новую эмоциональную окраску. Поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна.

Для живописи характерно парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментальных «ковровых фонов» и «вылепленных» со скульптурной чёткостью фигур и лиц первого плана (Густав Климт, Фернан Кнопф, Михаил Врубель), а также больших цветовых плоскостей (Леон Бакст , Эдвард Мунк) и тонких подчёркнутых нюансов (Михаил Врубель, Александр Бенуа). Всё это придавало картинам большую выразительность. Также символизм привнёс в живопись модерна символику линии и цвета; были широко представлены темы мировой скорби, смерти, эротики; распространённым стало обращение художников к миру тайны, сна, легенды, сказки и др. Ярким образцом живописи модерна являются полотна Климта. Художники модерна творили во всех странах Европы и Америки: Австрии, Великобритании, Германии, Италии, Голландии, России, США и др. (См. также список художников эпохи модерна.)

• 
  «Поцелуй», Густав Климт, 1907—1908 годы
• 
  «Ужин», Леон Бакст, 1902 год
• 
  «Искусство, или нежность сфинкса», Фернан Кнопф, 1896 год
• 
  «Пан», Михаил Врубель, 1899 год
• 
  «Похищение Европы», Валентин Серов, 1910 год

В рамках стиля получила большое распространение книжная и журнальная графика, афиша и плакат. Выходило небывалое множество журналов и ревю в области искусства, которые пропагандировали стиль модерн: в Мюнхене «Югенд» (1896 год), в Берлине «Пан» (1895 год), в Дармштадте «Немецкое искусство и украшение» (нем. Deutsche Kunst und Dekoration) (1897), в Лондоне «Студия» (1893 год), во Фландрии «С этого момента и позже» (нидерл. Van Nu an Straks) (1893 год), в Париже «Искусство и украшение» (фр. Art et d'coration) (1897 год) и «Белый журнал» (фр. La Revue Blanche) (1889 год), в Вене «Весна священная» (1898 год), в Праге «Бесплатные направления» (фр. Volne Smery) (1897 год), в Петербурге «Мир искусства» (1898 год) и др.

«Мод Адамс как Жанна д’Арк». Альфонс Муха. Афиша 1883 года

Графика стала той областью, из которой произрастали и в которой развивались мотивы стиля, и большое влияние на его развитие оказала обложка, созданная для книги под названием «Городские церкви Рена» английским художником и архитектором Макмердо. К особенностям этого дизайна, появившегося в 1883 году, относятся цвета и сильно изгибающиеся стебли и листья в монохромном исполнении. Поскольку такая обложка принадлежала книге, посвящённой архитектуре и купленной, вероятно, многими британскими архитекторами, она оказала сильное воздействие на создание изгибов и форм архитектурного стиля ар-нуво[90].

В конце XIX века сформировался тот вид графики, который принято называть плакатом. Рождение плаката было обусловлено новшествами в типографской промышленности. Настоящему искусству плаката открыла путь техника литографии. Тираж издания мог составлять несколько тысяч оттисков[91].

Литография, искусство книги (книжный дизайн), графика достигли в период модерна высокого подъёма благодаря работам англичанина Обри Бёрдсли, немцев Томас Гейне, Г. Фолегера и русских мастеров Александр Бенуа и Константина Сомова. Большие художественные достижения обрел модерн в создании афиш и плакатов (работы Эмиля Грассе во Франции, Альфонса Мухи в Чехии).

Первыми модернистами во Франции стали ученики Гогена, а в Англии — последователи «прерафаэлитов».

Наиболее значительными фигурами английского модерна стали Ульям Блейк и Обри Бёрдсли — автор иллюстраций к «Саломее» Оскарда Уальда и рисунков для журнала «Желтая книга». Графика Бёрдсли — классика модерна. Русский график Николай Кузьмин говорил, что Бердсли отделил свет от тьмы. Для света — белая бумага, для тьмы — чёрная тушь. И никаких полутонов. Линия приобрела удивительную силу. Началась новая эра графики. Крайняя простота средств: только чёрное и белое, лист бумаги, перо, флакончик туши. Но там, где он хотел показать свою поразительную «способность стараться», его техника становится похожей на тончайшее кружево: фронтисписы к «Саломее», к «Венере и Тангейзеру», «Вольпоне», сюите «Похищение локона»[92].

Графика модерна обладала собственными выразительными средствами: энергичный обобщённый рисунок, резкие контрастные цветовые соотношения, использование больших технических возможностей литографии содействовали развитию такой разновидности графики, как афиша, плакат. Для них характерны тщательно разработанные композиции, декоративные и шрифтовые[91].

В России большую роль в становлении плаката сыграли мастера объединения «Мир искусства». Плакат предоставлял им массовую трибуну, с которой они могли заниматься эстетическим просветительством.

В 1896 году в Мюнхене начал выходить журнал «Югенд». К этому времени в Германии сложилась развитая полиграфическая промышленность. Книжное, журнальное дело, имевшее давние традиции, достигло расцвета. Получили широкое распространение многоцветная печать, крупноформатный литографированный плакат и вместе с тем миниатюрная рекламная наклейка. Развивались другие малые жанры: экслибрис, рекламная листовка. Музеи Мюнхена и Берлина заказывали полиграфистам своеобразные пригласительные билеты. Каталоги издательских фирм, книжных магазинов, нередко, являлись настоящими графическими шедеврами, представлявшими картины художников[93].

Мастера немецкой графики искали новые технические приёмы. К таким новшествам можно было отнести рисование на грубой зернистой бумаге с предварительным покрытием её белилами. Чтобы, например, получить мягко расплывающийся штрих, мюнхенские графики стали широко использовать японскую кисть. Ещё один новаторский прием получение на белой бумаге отпечатка фактуры грубой материи, слегка пропитанной тёмной краской. Фон напоминал зернистую поверхность холста; нанесенный на него штрих приобрел специфические свойства. Графики учились обрабатывать бумагу разными кислотами, чтобы превращать её в подобие пергамента. Линии на такой бумаге выглядели по-новому[93].

• 
  Плакат «Павлинья юбка», Обри Бёрдслей, 1890-е годы
• 
  Литография «F. Champenois Imprimeur-Éditeur», Альфонс Муха, 1897 год
• 
  Плакат для кабаре «Чёрный кот», Теофиль-Александр Стейнлен, 1896 год
• 
  Литография «Японский диван», Анри де Тулуз-Лотрек, ок. 1893—1894 годы
• 
  Афиша выставки 1896 года Тео ван Рейссельберге, 1896 год
• 
  Афиша выставки декоративного искусства, Камилла Мартин, 1894 год

На скульптуру модерна, так же как и на живопись сильное влияние оказал символизм. Основные черты скульптуры стиля модерн — это возвращение к «природным» линиям. Характерны текучесть и динамизм форм, «внутренняя энергия». Скульптура модерна декоративна, её предназначение украшать пространство, подчинять его единому ритму. Среди скульпторов модерна особо выделяют двух французских мастеров: Огюста Родена и Аристида Майоля.

Среди десятка работ Родена самая известная — «Мыслитель». В своих работах он прославляет великую силу любви, её красоту и бессмертие. Другие его известные работы: «Первый поцелуй», «Вечная весна», «Поэт и муза».

Каталонец Аристид Майоль занялся скульптурой будучи уже хорошо известным мастером живописи. Экспериментируя с обнаженной женской натурой, он пытался создать образы естественной красоты, подчеркивал природную гармонию женского тела, чувственность и эмоциональность. Его работы — «Помона», «Ночью, Река», «Три нимфы» — находятся в лучших музеях мира, а всё его творчество по праву относится к шедеврам европейского пластического искусства.

Необычное видение мира и трактовка человека характерны для творчества чешского модерниста Франтишика Билека. Для его работ характерны полный реализм и достоверность изображения. Персонажи его работ — Моисея, Гуса — отличает новизна и нестандартная трактовка.

Другими блестящими образцами модерна в скульптуре являются работы Наума Аронсона — портреты Комиссаржевской, Толстого, Пастера. Он единственный из художников создал скульптурный портрет, который теперь хранится в одном из музеев Израиля. Его работы украшают многие музеи и галереи мира[94].

Одним из наиболее ярких представителей этого стиля в Италии был Адольфо Вильдт, работы которого прошли в своём развитии путь от символизма через венский и берлинский сецессион до зачатков экспрессионизма.

• 
  «Мыслитель», Огюст Роден, 1880—1882 годы
• 
  «Моисей», Франтишек Билек, 1905 год
• 
  «Тургенев Иван Сергеевич», Наум Аронсон, 1906—1913 годы
• 
  «Конь», Давид Черни, 1999 год
• 
  «Танец с шарфом», Агатон Леонард, 1901—1902 годы

Для ювелирного искусства эпохи ар-нуво наиболее характерны такие общие черты стиля, как: использование плавных, естественных линий, подражающих форме листа или волны, избегание прямых геометрических форм, использование приглушенных пастельных и матовых цветов и материалов. Не отказываясь от золота, ювелирный стиль ар-нуво среди излюбленных материалов выделял полудрагоценные непрозрачные камни, такие как опал, лунный камень, бирюза, а также жемчуг, эмаль, слоновую кость. Бриллианты и другие драгоценные камни используются в изделиях ар-нуво преимущественно в качестве вспомогательных декоративных элементов. Превалируют растительные, зооморфные (стрекозы, ящерицы, летучие мыши, бабочки) и сказочные (нимфы, феи) мотивы.

Среди наиболее выдающихся ювелиров эпохи модерна можно отметить Рене Лалика, Алексиса Фализа, Луиса Тиффани и Жоржа Фуке.

• 
  Стрекоза, Рене Лалик, 1897—1898 годы
• 
  Гребень, Рене Лалик, 1902 год
• 
  Брошь, Рене Лалик, 1919 год
• 
  Флакон для нюхательных солей, Алексис Фализ, 1867—1870 годы
• 
  Подвеска-брошь с богиней Флорой, Луи Окок, около 1900
• 
  Кулон с нимфой, Masriera&Carreras

Интерьер в эпоху модерна стал играть более важную роль — это было продиктовано архитектурой, которая создала новые способы компоновки внутреннего пространства и открыла путь к полному соответствию внешнего пространства внутреннему. Самым первым интерьером модерна можно считать знаменитую «Павлинью комнату», оформленную Джеймсом Уистлером в Лондоне[95]. Интерьер строился на полном неприятии прежних архитектонических принципов оформления внутреннего пространства. Стены помещений покрывались не образующими, казалось бы, никакой закономерности причудливыми, асимметричными формами, капризно извивающимися линиями. Потолки декорировались, как правило, плоскорельефной гипсовой пластикой, стены оформлялись более красочно, занавеси делали светлыми[96].

• 
  «Павлинья комната», Галерея искусств Фрира, Лондон, Англия, 1876—1877 годы
• 
  «Ювелирный магазин Жоржа Фуке», Альфонс Муха, Париж, Франция, 1901 год
• 
  Центральное отделение банка «Сосьете женераль», Париж, Франция
• 
  «Витебский вокзал» Станислав Бржозовский, Санкт-Петербург, Россия, 1900—1904 годы
• 
  «Каса-Батльо», Антонио Гауди, Барселона, Испания, 1904—1906 годы

Исследователи традиционно отмечают, что создатели мебели эпохи модерн придерживались одной из двух линий: представители французской, чешской и венгерской разновидностей стиля модерн — декоративной (капризные формы и контуры), немецкие и английские мастера — конструктивной (прямолинейность, ясное построение). Причем последняя более характерна для немецких и английских изделий. Предметы, тяготеющие к конструктивной ясности линий и форм, более просты, элемент декора сведен в них к минимуму. Это направление полнее всего представлено в творчестве мебельных мастеров Рихарда Римершмидта и Отто Панкока. В Австрии, а затем и в Германии было освоено производство таких мебельных форм (особенно шкафов), которые уже во всех отношениях отличались от прежних типов[96]. Предметы немецких, венских и английских мебельщиков, созданные в геометрическом «пуританском» стиле, яснее по конструкции и форме, проще, декор в них сведен к минимуму. Эта линия модерна ведет к подлинной современной мебели.

Гладкие, нерасчлененные мебельные поверхности стиля модерн получаются благодаря переходу на механизированное фанерование и сборку. Считается, что изогнутые формы мебели модерна берут с рождение ещё в середине XIX в., когда знаменитая венская фабрика Михаэля Тонета запустила в производство стул, сконструированный из гнутой под паром древесины, — «венский стул».

Одним из достижений модерна — считается то, что художники, проектировавшие мебель, наблюдали за осуществлением своих замыслов непосредственно в мастерских. Услугами проектировщиков пользовались даже при меблировке квартир в доходных домах. Это открывало возможность для осуществления идеи гарнитура, комплекта мебели. Близость художников—проектировщиков к производству благоприятно сказывалась на работе мастерских.

В мебели параллельно модерну сложился и ряд родственных ему стилевых направлений. Например, одно из них брало за источник японскую мебель. Также развивалась «готическая» ветвь модерна.

Французская, бельгийская и испанская мебель представлена изысканными шкафами-витринами и этажерками Луи Мажореля, Эмиля Галле и Гектора Гимара, «стулом-коброй» и «стулом- улиткой» Карло Бугатти, фантастически-органическими мебельными формами Антонио Гауди, плавно-текучими линиями корпусной мебели и мебели для сидения Анри Ван де Вельде. «Конструктивная» мебель создается Чарльзом Макинтошем и Маргарет Макинтош, мастерами знаменитых «венских» мастерских Коломоном Мозером, Адольфом Лоосом и другими, а затем продолжается в мебельных проектах Ф. Л. Райта[97].

Идея стилистической целостности пространства способствовала широкому распространению гарнитуров мебели, выполненных в едином стиле и вписанных в общее пространство помещения. Исключительно важное место занимали столовые гарнитуры, включая главную его часть — буфет или сервант, который, несмотря на вполне утилитарное предназначение, обычно размещался в гостиной, подтверждая статуса своего хозяина (под буфетом в классическом смысле этого слова понимают высокую, обычно более двух метров высотой, двух-, трёх- или четырёхстворчатую конструкцию, верхняя часть которой снабжена застекленными дверцами, а нижняя представляет собой тумбу с глухими дверцами или выдвижными ящиками). Классический сервант обычно отличается от буфета меньшей высотой верхней и нижней частей. Эти детали важно обозначить, потому что буфет, как предмет мебели, отличается максимально традиционной формой во все времена — изменить её было не под силу даже такому «своенравному стилю», как модерн. Однако именно в силу консервативности конструкции буфет стал отличной основой для воплощения творческих идей художников эпохи[98].

• 
  Шкаф, Эжен Валлен, 1903 год
• 
  Кровать с бабочками, Эмиль Галле, 1904 год
• 
  Молельный стол, Антонио Гауди
• 
  Горка и две подставки, Фабрика «Ф.Ф. Мельцер и Ко»
• 
  Мебель в гостинной, Антонио Гауди