Арт-поп

Арт-поп (англ. Art pop; также известны другие вариации названия артпоп и арт поп) — музыкальный жанр, широко охарактеризованный стиль в поп-музыке[6], вдохновлённый поп-артом, интегрированный элитарной и неэлитарной культурами и подчеркнутый манипуляциями с символами, стилем и жестами над самовыражением[7][8]. Арт-поп артисты вдохновляются постмодернизмом обращаясь к эстетике[9], а также к другим формам искусства, таким как мода, изящное искусство, кино и авангардной литературе[3][10]. Также жанр может отклоняться от традиционных поп-аудитории и рок-музыкальных конвенций[11], вместо этого исследуя такие идеи, как статус в поп-музыке как коммерческое искусство, понятия об искусственности и собственной личности и вопросы историзма[7].

Арт-поп
Направление Поп-музыка
Истоки Поп-музыка[1]
поп-арт[2][3]
Время и место возникновения Середина 1960-ых (Великобритания, США)
Производные
Пост-панк[4], синти-поп[4], индустриальная музыка[4], vaporwave[5]
См. также
Арт-рок, мир искусства, авант-поп, коммерциализм, экспериментальный поп, глэм-рок, низкая культура, новая романтика, прогрессивный поп

Начиная с середины 1960-х годов, британские и американские поп-артисты, такие как Брайан Уилсон, Фил Спектор и The Beatles, стали включать идеи поп-арт движения во время записи музыки[6]. Британские арт-поп музыканты черпали вдохновение в своих учениях из академии художеств[10], когда в Америке арт-поп опирался на влиянии поп-арт художника Энди Уорхола и аффилированной к нему группой The Velvet Underground[12], а также пересекался с движением певцов и поэтов-песенников народной музыки[6]. Арт-поп пережил свой «золотой век» в 1970-х годах благодаря таким исполнителям, как Дэвид Боуи и Roxy Music, в чьих творчествах были охвачены театральность и одноразовость поп-культуры[13].

В конце 70-х и 80-х годов традиции арт-поп музыки были продолжены в таких жанрах, как пост-панк и синти-поп, а также в британской сцене новой романтики[4][11], развиваясь дальше с музыкантами, которые отказались от традиционных рок-инструментов и музыкальной структуры в пользу танцевальной музыки и синтезатора[11]. В 2010-х годах появились новые тенденции арт-попа, такие как хип-хоп художники, опираясь на визуальное искусство и художников vaporwave, исследующих чувства современного капитализма и интернета.

Происхождение

Арт-поп как жанр возник из распада постмодернизма, опираясь как на элитарное, так и на неэлитарное искусство с элементами современных проблем арт-поп артистов в плане социологической интерпретации и исторической достоверностью, при этом черпая вдохновение в понятии искусственности и коммерции[14]:

Если постмодернизм означает распад элитарных/неэлитарных культурных границ, то это означает также конец этого исторического мифа, в который входят арт-поп музыканты, усложнявшие социологические чтения о том, что означает музыка, вводя в действие свои собственные свидетельства подлинности и искушение.

Мэтью Баннистер. White Boys, White Noise: Masculinities and 1980s Indie Guitar Rock[8]

В отличие от романтической и автономной традиции арт- и прогрессивного рока, в данном жанре подчёркивается манипуляция с разными символами и знаками, опирающихся на эстетику повседневного и одноразового[15]:

Исторически сложилось так, что «арт-рок» использовался для описания, по крайней мере, двух родственных, но разных видов рок-музыки[16]. Первый — это прогрессив-рок, в то время как второе употребление относится к группам, которые отвергли психоделию и контркультуру хиппи в пользу модернистского авангардного подхода, определённого группой The Velvet Underground[16] В рок-музыке 1970-х годов под «художественным» дескриптором, обычно, понимался как «агрессивный авангард», так и «претенциозный прогрессив».

Ноэл Мюррей. The A.V. Club[17]

Музыкальный социолог Саймон Фрит отличал присвоение искусства к поп-музыке как особую озабоченность модой, жестом и ироническим использованием исторических эпох и жанров[18]. Центральной частью для таких практикующих распространителей стиля были понятия о себе как о работе по строительству или искусству[11], а также озабоченное желание в создании разных терминов, изображений, процессов и влияний[19]. Ник Коулман из The Independent писал следующее: «Арт-поп отчасти касается отношения и стиля, но это так же касается и самого искусства. Это, если можно, способ сделать чистый формализм социально приемлемым в поп-контексте»[20].

Культурист-теоретик Марк Фишер писал, что развитие арт-поп музыки эволюционировало из триангуляции поп-музыки, искусства и моды[11]. В то же время Саймон Фрит утверждает, что это было «более или менее» вдохновленно непосредственно поп-арт искусством[2][3] (музыковед Аллан Мур предполагает, что термин «поп-музыка», возможно, возник из поп-арта[21]). По мнению критика Стивена Холдена, арт-поп часто относится к любому поп-стилю, который сознательно стремится к формальным ценностям классической музыки и поэзии, хотя эти работы часто продаются как коммерческий продукт, а не оседают в уважаемых культурных учреждениях[6]. DJ Taylor из The Independent и Питер Аспден из Financial Times отметили попытки арт-поп музыки дистанцировать свою аудиторию от широкой публики[22][23].

История

Предыстория

Во второй половине XX века границы между искусством и поп-музыкой стали более размытыми[24]. В 1960-е годы такие поп-музыканты, как Джон Леннон, Сид Барретт, Пит Тауншенд, Брайан Ино и Брайан Ферри начали черпать вдохновение из своих исследований в области художественной школы в прошлом[3]. Саймон Фрит заявляет, что в Великобритании художественная школа представляла собой «традиционный маршрут эвакуации для ярких детей рабочего класса, а также питательную среду для молодых групп, таких как The Beatles и выше»[14]. Арт-поп в Северной Америке был под влиянием Боба Дилана и бит-поколения и стал более литературным благодаря движению певца и поэта-песенника фолк-музыки[25]. Ещё до того, как арт-/прогрессивный рок стал самым коммерчески успешным британским звучанием в начале 1970-х годов, психоделическое движение в 1960-х объединило искусство и коммерциализм, разъяснив тем самым вопрос о том, что значит быть «артистом» в массовой среде[26]. Музыканты прогрессивной музыки считали, что художественный статус зависит от личной автономии, и поэтому стратегия «прогрессивных» рок-групп состояла в том, чтобы представить себя как исполнителей и композиторов «выше» обычной поп-деятельности[27].

Мильтимедиа шоу Энди Уорхола «Exploding Plastic Inevitable» при участии певицы Нико (справа), 1966.

Другим главным влиянием на развитие арт-попа стало новое движение в искусстве известное как поп-арт[25]. Сам термин «поп-арт», был впервые придуман для описания эстетической ценности товаров массового производства и был непосредственно применим к современному феномену рок-н-ролльной музыки (включая Элвиса Пресли, икона раннего поп-арта)[28]. По словам Саймона Фрита: «[Поп-арт] оказался сигналом конца романтизма — быть искусством без художников. Прогрессивный рок стал последней ставкой богемников… В этом контексте ключевым теоретиком поп-музыки был не [Ричард] Гамильтон или любой другой британский художник, который, несмотря на их интерес к массовому рынку, оставался только академическим поклонником, а Энди Уорхол. Для Уорхола значительной проблемой была не относительные достоинства „элитарного“ и „неэлитарного“ искусства, а отношения между всем искусством и „коммерцией“ в целом»[29]. Американская группа The Velvet Underground, чьими протеже был Уорхол, подражала синтезу искусства и поп-музыки присуще Уорхолу, вторя его акценту на простоте и новаторскому модернистскому авангардистскому подходу к арт-року, который игнорировал традиционные иерархии художественного представительства[30].

Когда The Velvet Underground впервые появились в середине 1960-х годов, они столкнулись с отказами и обычно увольнялись как «пидорская группа».

Мэтью Баннистер. White Boys, White Noise: Masculinities and 1980s Indie Guitar Rock[31]

1960-е годы: Возникновение

(аудио)
Strawberry Fields Forever
Журналист Питер Доггет охарактеризовал «Strawberry Fields Forever», как арт-поп песню, отметив его попытку «самосознательно исключить... массовую аудиторию».[32]
Помощь по воспроизведению

Стивен Холден прослеживает истоки поп-музыки в середине 1960-х годов, когда такие продюсеры, как Фил Спектор и музыканты, такие как Брайан Уилсон из The Beach Boys, начали включать псевдосимфонические текстуры в свои поп-записи (оба являются американцами), а также первые записи The Beatles при участии струнного квартета[25]:

Благодаря своей влиятельной работе Уилсон и продюсер The Beatles Джордж Мартин распространили идею студии звукозаписи как творческую среду, которая могла бы помочь в процессе написания песен.[33]. Писатель Майкл Джонсон подчёркивает Pet Sounds (1966) группы The Beach Boys и Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band группы The Beatles (1967) в качестве первого документально подтвержденного «восхождения» рок-н-ролла[34]. Ричард Уильямс также приписывал Филу Спектору преобразование рок-музыки как исполнительского искусства в искусство, которое могло существовать только в студии звукозаписи и которая «проложила путь для арт-рока».

Ричард Уильямс. Phil Spector: Out of His Head[35]

По словам писателя Мэтью Баннистера, Уилсон и Спектор были известны как «одержимые отшельники студии… [которые] обычно отсутствовали в своей собственной работе», и, как Уорхол, Спектор существовал «не как присутствующий, а как контролирующий или организующий принцип за и под поверхностью СМИ. Оба чрезвычайно успешные коммерческие художники, и оба одновременно отсутствуют и присутствуют в своих собственных творениях»[36]. Писатель Эрик Дэвис назвал арт-поп Уилсона «уникальным в истории музыки»[37], в то время как коллаборационист Ван Дайк Паркс сравнил его с современными работами Уорхола и художника Роя Лихтенштейна, сославшись на его способность поднимать обычный или избитый материал до уровня «высокого искусства»[38]:

По словам биографа Питера Эймса Карлина, который пришёл к выводу, что, за возможным исключением Уилсона, «The Beach Boys практически не проявляли заметного интереса к тому, что вы могли бы назвать миром идей[39]». Неизданная Smile Уилсона, задуманная и записанная в 1966-67 годах, была описана как попытка создать эру «великого арт-поп альбома»[40] и «выдающегося психоделического поп-арт заявления»[41].

В движении, которое было обозначено The Beatles, The Beach Boys, Филом Спектором и Фрэнком Заппа[42], доминирующий формат поп-музыки перешёл от синглов к альбомам, и многие рок-группы создали работы, которые стремились сделать великие художественные заявления, где арт-рок будет процветать[25]. Музыковед Ян Инглис пишет, что обложка альбома The Beatles 1967 года Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band была «воспринята как в значительной степени ответственная за связи между искусством и поп-музыкой»[43]. Хотя Sgt. Pepper’s предшествовало несколько альбомов, которые начали соединять линию между «одноразовой» поп- и «серьезной» рок-музыкой, он успешно дал установленный «коммерческий» голос альтернативной молодёжной культуре[44]. Писатель Майкл Джонсон писал, что арт-поп музыка будет продолжать существовать и после The Beatles, но никогда не достигнет по популярности их уровня успеха[34]:

Фрит сравнил сложный дизайн альбома с «чтением андеграундной прессы»… [умение, которое] всегда строилось вокруг чувства отличия от «массовой» поп-аудитории. Арт-рок был «выше» всех уровней. … обывателей нужно было держать подальше. Он также отмечает, что Заппа нацелился на проблему поп-коммерциализма с обложкой альбома The Mothers of Invention 1968 года We're Only in It for the Money, который пародировал обложку Sgt.Pepper’s[45].

The Who были «первой поп-арт группой» по словам их менеджера, в то время как член группы Пит Тауншенд объясняет: «Мы выступаем за поп-арт одежду, поп-арт музыку и поп-арт поведение… мы не меняемся за кулисами, мы живём поп-артом»[46]. Фрит считает, что их альбом The Who Sell Out (декабрь 1967) «возможно, шедевр арт-попа», который использует «жизнеспособность» самой коммерции, тактику, повторяемую Роем Вудом из The Move, а затем Кевина Годли и Лола Крима из 10cc[46]. Идеи Тауншенда были известны своим акцентом на коммерциализм: «[его] использование риторики поп-арта… относится не к музицированию как таковому — к проблеме самовыражения, а к коммерческому музицированию, к вопросам оформления альбома (упаковке), продажи и рекламы, к проблемам популярности и славы»[46]. В интервью в мае 1967 года, Тауншенд придумал термин «пауэр-поп», чтобы описать музыку The Who, The Small Faces и The Beach Boys. Пауэр-поп позже развился как жанр, известный своей реконфигурацией тропов 1960-х[47].

1970-е годы: Нью-Йоркская сцена и глэм

Примечания

  1. Holden, Stephen (February 28, 1999). "MUSIC; They're Recording, but Are They Artists?". The New York Times.
  2. Frith & Horne (2016), p. 74.
  3. Buckley, 2012, p. 21.
  4. Fisher, Mark. You Remind Me of Gold: Dialogue with Simon Reynolds (англ.) // Kaleidoscope : journal. — 2010. No. 9.
  5. Harper, Adam (December 7, 2012). "Comment: Vaporwave and the pop-art of the virtual plaza". Dummy.
  6. Holden, Stephen (February 28, 1999). «MUSIC; They’re Recording, but Are They Artists?». The New York Times.
  7. Frith, 1989, p. 116, 208.
  8. Bannister, 2007, p. 184.
  9. Frith (1989), p. 116, 208.
  10. Fisher, 2014, p. 5.
  11. Fisher, Mark (November 7, 2007). «Glam’s Exiled Princess: Roisin Murphy». Fact. London. Archived from the original on November 10, 2007.
  12. Frith & Horne (2016), pp. 113–114.
  13. Lester, Paul (11 June 2015). «Franz and Sparks: this town is big enough for both of us». The Guardian.
  14. Frith, 1989, p. 208.
  15. Frith, Horne, 2016, p. 98.
  16. Bannister, 2007, p. 37.
  17. Murray, Noel 60 minutes of music that sum up art-punk pioneers Wire. The A.V. Club (28 мая 2015).
  18. Frith, 1989, p. 97.
  19. White, Armond The Best of Roxy Music Shows Ferry's Talent for Exploring Pop While Creating It. Дата обращения: 15 марта 2016.
  20. Live Box, The Independent, Independent Print Limited (31 августа 2003).
  21. Moore, 2016, "The (Very) Long 60s", pp. 12–13.
  22. DJ Taylor. Electric Shock: From the Gramophone to the iPhone: 125 Years of Pop Music by Peter Doggett, book review, The Independent (13 августа 2015). Архивировано 25 декабря 2015 года. Дата обращения 15 марта 2016.
  23. Aspden, Peter. «The Sound and Fury of Pop Music.» Financial Times. 14 August 2015.
  24. Edmondson, 2013, p. 1233.
  25. Holden, Stephen. MUSIC; They're Recording, but Are They Artists? (28 февраля 1999). Дата обращения 17 июля 2013.
  26. Frith, Horne, 2016, p. 99.
  27. Frith, Horne, 2016, pp. 74, 99–100.
  28. Frith, Horne, 2016, p. 103.
  29. Frith, Horne, 2016, p. 108.
  30. Bannister, 2007, pp. 44–45.
  31. Bannister, 2007, p. 45.
  32. Aspden, Peter. "The Sound and Fury of Pop Music." Financial Times. 14 August 2015.
  33. Edmondson, 2013, p. 890.
  34. Johnson, 2009, p. 197.
  35. Williams, 2003, p. 38.
  36. Bannister, 2007, pp. 38, 44–45.
  37. Davis, Erik. Look! Listen! Vibrate! SMILE! The Apollonian Shimmer of the Beach Boys (9 ноября 1990). Архивировано 4 декабря 2014 года. Дата обращения 14 января 2014.
  38. Himes, Geoffrey Surf Music. teachrock.org. Rock and Roll: An American History. Архивировано 25 ноября 2015 года.
  39. Carlin, 2006, p. 62.
  40. Richardson, Mark. The Smile Sessions review (англ.) // Pitchfork : online magazine. — 2011. — 2 November.
  41. Staton, Scott A Lost Pop Symphony. The New York Review of Books (22 сентября 2005). Дата обращения: 12 сентября 2013.
  42. Julien, 2008, pp. 30, 160.
  43. Julien, 2008, p. 102.
  44. Holm-Hudson, 2013, p. 10.
  45. Frith, Horne, 2016, pp. 57–58, 99.
  46. Frith, Horne, 2016, p. 101.
  47. Lester, Paul Powerpop: 10 of the best. The Guardian (11 февраля 2015).

Литература

This article is issued from Wikipedia. The text is licensed under Creative Commons - Attribution - Sharealike. Additional terms may apply for the media files.